En 2006, Stephen Walker, un londinense sin ninguna experiencia previa en el mundo del cine, asombrado por uno de los conciertos de este singular coro en Gran Bretaña, decidió que tenía que contar la historia de esos ancianos que dan a todos una lección de vitalidad cuando, a su edad, la mayoría se dedica a esperar el fatal desenlace que les lleve al otro mundo.

Así nació Young at heart (Corazones rebeldes), un documental que nos muestra el duro trabajo de ensayo y error que precede a cada actuación; el carisma, la energía y la entrega del director del coro, Bon Climan; la ilusión, la alegría de vivir y el esfuerzo de estos intérpretes de la tercera edad… No obstante, el film va mucho más allá y profundiza en temas como el amor, la enfermedad, el sexo o la muerte.

La película logra, sin duda, despertar un sinfín de emociones. Walker juega hábilmente con los momentos de humor y de ternura, de simpatía y de tragedia, arrastrando al espectador de forma irremediable y estableciendo unos poderosos vínculos afectivos entre la audiencia y cada uno de los personajes a través de los cuales se nos narra esta ópera-rock sobre la vejez. Además, en el documental hay algunos hallazgos sensacionales, como una serie de videoclips rodados ex profeso y que sirven de eje vertebrador (simplemente extraordinario el que acompaña al tema I wanna be sedated, de Los Ramones, en el que los miembros del coro aparecen en una residencia auténtica exigiendo una ración extra de drogas que les deje fuera de juego).

No obstante, el director no ha sabido, en general, contar la historia con la elegancia y sencillez que requería, y cae a menudo en la trampa de la sensiblería de mal gusto (por ejemplo, al añadir música almibarada a las escenas más dramáticas), y se deja embaucar por las filigranas estilísticas de los mejores (o sea, los peores) reporteros sensacionalistas (por ejemplo, hurgando en la llaga de un anciano moribundo que probablemente no vaya a la siguiente actuación).

A pesar de ello, las personas y los temas que hay tras esa cortina de sensiblería amarillista acaban imponiéndose, y nos lanzan a gritos un mensaje que todos sospechamos que es fundamental pero que, demasiadas veces, olvidamos: la vida es mucho menos vida si no se hace nada por vivirla.

A partir de este pasado viernes 28 de noviembre, se puede ver en múltiples cines del mundo, la segunda parte de la película Madagascar. Una vez más, los encantadores personajes de la primer entrega, Alex, Melman, Gloria y Marty, no hacen reir y disfrutar en una más de las excelentes entregas de cine animado a las que la industria del espectáculo nos tiene acostumbrados en los últimos tiempos.

En esta oportunidad, estos alocados personajes, tendrán su aventura en África, donde por primera vez entrarán en contacto con otros animales de su misma especie.

Y por supuesto, no nos olvidemos de los simpáticos pingüinos, personajes por demás pintorescos y graciosos, cuyo participación siempre acotada, a mi entender, es un ingrediente genial en ambas entregas de la saga.

Imperdible para grandes y chicos, Madagascar 2 es una comedia familiar, con todos los ingredientes cómicos y con el ritmo necesario para que los espectadores no se sientan defraudados.  

Para los que tengan la oportunidad y se animen, siempre recomiendo ver las películas en su idioma original, incluso las animadas. Todo mi respeto para quienes hacen el trabajo de doblaje, pero especialmente en el caso de las películas animadas, no hay que olvidar que los personajes se han construido, en gran parte, en función del actor que les ha dado vida. Así sus tonos de voz, sus movimientos y todo aquello que el actor ha dado al personaje, se ve luego en la pantalla reflejado. Y claro, esta película no es la excepción. Ben Stiller (Alex), Chris Rock (Marty), David Schwimmer (Melman), Jada Pinkett Smith (Gloria)…  excelentes actores que dan vida a esta película!

Tras la espléndida Una historia de violencia, en la que Ed Harris y Viggo Mortensen se odiaban a muerte siguiendo las órdenes de David Cronenberg, estos dos grandes actores se reconcilian ahora en Appaloosa, que bien podría titularse Una historia de amistad.

De hecho, fue durante el rodaje de Una historia de violencia cuando Ed Harris, impresionado por la lectura de la novela Appaloosa de Robert B. Parker, decidió que tenía que llevar esos personajes a la gran pantalla.

El tema sobre el que se sustenta el film es probablemente el que subyace en casi todos los westerns: el contraste radical entre la idea de naturaleza salvaje y la de civilización, entre un estado “natural” cuya única premisa es la libertad total (para bien y para mal) y una sociedad estructurada alrededor del conjunto de normas que la rigen.

Precisamente a eso, a imponer la Ley, acuden Cole (Ed Harris) y Hitch (Viggo Mortensen) a Appaloosa, un pequeño y polvoriento pueblo perdido en algún lugar del estado de Nuevo Méjico. Allí, un ranchero con pocos escrúpulos, Randall Bragg (Jeremy Irons), impone su propia ley, la del más fuerte. En la ecuación entra también la recién llegada Alison French (Renée Zellwegger), una misteriosa e imprevisible mujer adicta a la erótica del poder.

Harris narra la historia con sobriedad y elegancia, evitando los planos o los movimientos de cámara superfluos, del mismo modo que sus dos protagonistas sólo dicen lo imprescindible en el momento justo. Sin duda, lo mejor de la cinta es la relación entre estos dos hombres duros que llevan años cabalgando juntos y apenas saben nada el uno del otro; sin embargo, la compenetración, el respeto y la confianza que hay entre ambos es única, y de esta amistad nacen algunos de los mejores momentos de esta historia, momentos rebosantes de humor y ternura.

La franquicia Star Trek cuenta ya con cientos de horas de metraje si sumamos las distintas series y películas que han narrado las aventuras de la nave Enterprise y sucedáneos. Sin embargo, si bien es cierto que en muchas ocasiones ha sido bien valorada por el público mayoritario, generalmente, cada una de esas nuevas entregas no hacía más que alimentar la voracidad de los seguidores más fieles, los trekkies.

Por supuesto, aunque el apoyo de ese tipo de público es fundamental, los estudios Paramount no se contentan con eso, menos aún tras el fracaso  comercial de Star Trek Némesis y de la inesperada salida de antena de la serie Enterprise. Motivados por la posibilidad de colocar la saga en el lugar que le corresponde, los estudios se pusieron en contacto en 2005 con J.J. Abrams y su equipo. Quizás Abrams, que en su adolescencia era fan incondicional de Star Wars y que jamás conectó con Star Trek, sea el candidato idóneo para actualizar a Spock y compañía.

Aunque el creador de Lost está habituado a manejar proyectos con grandes presupuestos y elaborados efectos visuales, asegura que lo que ha captado casi toda su atención son los personajes. “En definitiva al espectador no le importa la nave, se involucra con las personas que viajan en ella”, afirma.

Para lograr su objetivo, Abrams contó con la presencia de Eric Bana, Winona Rider y Zachary Quinto, el villano de Héroes, en el papel del joven Spock. Ellos son los protagonistas de esta precuela en la que Kirk y el resto de su conocida tripulación son todavía unos jovenzuelos en la Academia de la Flota Estelar, aunque se ven obligados a enfrentarse a los temibles romulanos.

El estreno de la undécima entrega de Star Trek estaba previsto para estas navidades, pero finalmente se ha decidido retrasarlo hasta mayo de 2009, creyendo tal vez que tenía más posibilidades en la taquilla de cara al verano. Habrá que esperar.

Hay figuras emblemáticas en todas las actividades, esas figuras que parecen que van  a estar allí siempre, que han compartido mucho con muchas generaciones, que son ya un ícono. Una figura así, en el cine, se ha ido hace muy poquito.

El pasado 28/09/2008, con 83 años, fallecía de cáncer de pulmón, el actor americano Paul Newman.

Desde su debut en New York en Broadway y en series de televisión, y su posterior inicio en el cine en la película “El cáliz de plata”, Newman participó de más de 50 películas, en una carrera en el cine que abarcó además actividades de director y productor. Ganó 3 premios Oscar, el primero en 1985 en reconocimiento a su trayectoria, luego en 1986 por “El color del dinero” y finalmente el Premio Humanitario “Jean Hersholt” otorgado por la Academia en 1994.

Además de sus actividades en el cine, Newman fue un apasionado de las carreras de auto, llegando a competir en carreras profesionales en más de una oportunidad.

En 1982 creó Newman’s Own, una marca de productos del ramo alimenticio, la cual realiza importantes donaciones a beneficencia.

Pero más allá de todos estos datos biográficos, creo que para nadie es desconocido este excelente autor. De una u otra generación, todos tenemos alguna película de él en la memoria. Si me preguntan a mí, “El color del dinero” es, sin lugar a dudas, una película para no dejar de ver, que debe estar en esa listita de los pendientes de cualquier amante del cine. Y si le preguntan a mi hijo pequeño, posiblemente no sabrá quién fue este gran actor, pero disfrutó a pleno con la película “Cars”, aunque nunca supo que la voz del paternal Doc Hudson, era justamente, la de Paul Newman.

Pasó mucho tiempo antes que Saramago accediese a vender los derechos de su obra, Ensayo sobre la ceguera, una de las novelas más conocidas del autor. Sostenía entonces que el cine mataba la imaginación. Finalmente accedió, y de la mano de Fernando Meireles, cineasta brasilero (Ciudad de Dios), la historia llegó al cine, en una producción conjunta de Brasil, Canadá y Japón, con un presupuesto de 25 millones de dólares y con un reparto estelar: Julianne Moore, Mark Ruffalo, Danny Glover y Gael García Bernal.

¿El argumento? En una ciudad desconocida, una extraña epidemia empieza a afectar a su pobladores, quienes quedan ciegos sin aviso previo. La enfermedad se contagia a gran velocidad, y todos los que están en contacto con un infectado, no pueden evitar contraerla también. Todos, a excepción del personaje de Julianne Moore, quien a pesar de estar junto a su marido (Mark Ruffalo) ya ciego, no se ve afectada, pero que para estar a su lado, finge contraer la enfermedad. A partir de allí, la historia gira en torno a la supervivencia de todos los afectados por la epidemia, de la desesperación y de lo que el ser humano es capáz de hacer en circunstancias extremas.

El resultado, lamentablemente, no es el mejor. Desde el principio Meireles sabía que el reto de llevar al cine una historia tan compleja como la escrita por Saramago, donde muchos aspectos estaban librados a la imaginación, y donde eran más las sensaciones a transmitir que los diálogos o las imágenes, no era una tarea menor. Y eso se vio reflejado en el resultado.

La película tiene un inicio fuerte, que engancha, y posiblemente pueda rescatarse el final, en cuanto a las imágenes y la desesperación transmitida por las mismas. El resto, es un vago intento por tratar de reflejar en la pantalla la fuerza transmitida por la historia original. Aunque con excelentes actores, la opinión general de la crítica ha sido negativa. La película tampoco ha tenido éxito en su presentación en Cannes, donde las críticas y opiniones no le fueron favorables.

En una entrevista, su director Meirelles comentó: “Ensayo sobre la ceguera no es una historia de fácil adaptación. Durante el proceso, muchas veces me arrepentí de haber empezado este proyecto, por creer que nunca funcionaría. Todavía no sé si funcionó”.

Sin embargo, es importante mencionar que Saramago tuvo una excelente opinión sobre el resultado, y declaró estar feliz con la adaptación, por lo que solo queda preguntarse si es correcto opinar tan negativamente, cuando el creador de la historia la ha visto con buenos ojos…

Nueva York ha sido la cuna de prácticamente toda la filmografía de Woody Allen, desde Toma el dinero y corre o Annie Hall hasta Misterioso asesinato en Manhattan. Londres ha sido el escenario de una de sus obras cumbre, Match Point. Aún está por ver si la relación del director neoyorquino con Barcelona alcanzará un nivel semejante en el futuro.

Por el momento, Vicky Cristina Barcelona no supone más (ni menos!) que otro eslabón en la cadena de incógnitas sobre las relaciones humanas que el cineasta lanza al abismo esperando extraer una respuesta de sus profundidades o, como poco, un motivo para soltar una carcajada

La cinta explora de nuevo temas, personajes y situaciones habituales en el cine del cineasta: la relación entre el amor y el sexo, la imposibilidad de una relación monógama estable y satisfactoria, el arte y el esnobismo como herramientas de evasión de una vida emocional decadente y, quizás, hueca. Todo ello, visto a través del prisma de la mirada de Allen, que logra burlarse de sus creaciones haciéndolas entrañables a un tiempo.

En esta ocasión, nos narra la historia de dos amigas norteamericanas, Vicky (Rebeca Hall) y Cristina (Scarlett Johanson) que viajan a Barcelona en busca de descanso y, por qué no decirlo, de algo que complete sus vidas. En la ciudad condal coinciden con un pintor bohemio, Juan Antonio (Javier Bardem), que les mostrará nuevas formas de entender el amor, el arte y la vida. El triángulo contaba sin duda con elementos interesantes, sin embargo Allen aporta otro personaje, María Elena (Penélope Cruz), la ex de Juan Antonio.

Las relaciones y las emociones que surgen entre estos cuatro personajes dan lugar a situaciones y diálogos que rebosan ingenio, como cabía esperar. Y, en general, el director de Scoop vuelve a sorpendernos con su habilidad para tratar con aparente sencillez y ligereza los asuntos alrededor de los cuales giran nuestras vidas. Las interpretaciones, ajustadas al milímetro. La fotografía de Aguirresarobe, hermosa, y sorprendente en un film de Allen.

No obstante, no todo reluce en su último trabajo . La película se ve lastrada, por ejemplo, por una voz en off que no acaba de encontrar su lugar y por un ritmo y un desarrollo de las situaciones dramáticas que no sólo flaquea, sino que amenaza en ocasiones con quedarse en punto muerto. Afortunadamente, el peor de estos estancamientos acaba en cuanto aparece el personaje interpretado por Penélope Cruz, sin duda uno de los puntos fuertes del film, si no el principal.

Por otro lado, Allen se ha topado, según parece, con alguien en la Generalitat que ha decidido convertir la película en un anuncio turístico de Barcelona. No sólo se muestran todos y cada uno de los principales monumentos de la ciudad, sino que además, resulta que Vicky cuenta en su currículum con un máster en Identitad Catalana. En cualquier caso, los ridículos mandatorios impuestos al film no terminan de empañar sus virtudes.

Tras considerar alguna ciudad italiana y francesa, Woody Allen optó por Barcelona como el lugar que podía dotar a su cine de una luz distinta. Misión cumplida. Además, es su película más taquillera en Estados Unidos (además de la luz mediterránea, quizás la presencia de los tres actores de moda ha tenido algo que ver con eso…). Bien por él. Ahora sólo nos queda esperar a ver si Barcelona y Woody Alen tienen algo más que ofrecerse el uno al otro, o si se trata tan sólo de un romance de verano.

El Orfanato ha sido elegida para competir por 4 premios en el festival de cine Europeo, que tendrá lugar el 6 de Diciembre en Copenhage. La película fue elegida el pasado sábado en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, y tendrá opción a los premios de: Mejor película, mejor actriz (Belén Rueda), mejor fotografia ( Óscar Faura) y mejor compositor ( Fernando Velasquez).

Los difíciles rivales del filme español serán dos películas italianas. Il divo y Gomorra. La primera escrita y realizada por Paolo Sorrentino, un filme que retrata a la perfección al controvertido político Italiano Giulio Andreoti. Y la segunda, Gomorra, dirigida por Mateo Garrone y que trata sobre la Camorra Italiana.

También hay que decir que, El Orfanato, es la ópera prima del director Juan Anotnio Bayona, película con la cual ya ganó un Goya al mejor director novel.  Este director, al cual le espera una larga trayectoria dirigiendo filmes, ha dirigido, anteriormente, cortos, videoclips y spots publicitarios. Algunos cortos suyos ( Mis vacaciones, en 1999, y El hombre esponja, en 2002), han sido premiados en varios festivales, así commo algunos de sus spots publicitarios también.

La historia, aunque parezca algo compleja así de primeras, no lo es tanto cuando nos sentamos en la sala del cine. Como he dicho anteriormennte, es una película más sobre la guerra civil española. Con esto quiero decir que, en primer lugar, se ha hablado, se habla y se hablará mucho de esta guerra. Es por eso que hay que ser muy original a la hora de contar algo, o hacerlo muy muy bien, para no ser “uno mas”. No digo que la película está mal, y no digo que no me gustara. Pero le falta algo de ritmo, le falta originalidad, y lo que es mas importante para mi, no le saca todo el provecho a 2 ACTORES que tiene: Maribel Verdú y Javier Cámara.

Evidentemente,con el papel que le ha tocado a Javier Cámara (un republicano que tiene que estar escondido en su casa) es difícil salir mucho rato en pantalla y hacer una gran representación. Aún así, hay momentos de la película que, para mi, lo consigue.

Otra cosa diferente es el papel de Maribel Verdú. Para mi, Maribel (”mi chica” dentro del cine español) no desarrolla todo su potencial. La he visto en muchas películas, y en casi todas ellas, ha conseguido transmitirme todas sus emociones. En casi todas ellas, he conseguido saber o intuir, qué iba hacer el personaje en cada momento. En esta no.

Por otro lado, tenemos al patético y escalofriante cura (Raúl Arévalo). Este personaje, a mi es el que menos me gustó, aunque si lo que se pretende con él es reflejar a los curas del momento, a la situación que se vivia y al papel que tenian estos en aquella época, Chapeau!! Se consigguió. Que yo tenga un odio bastante elevado hacia esto, no quiere decir que este actor no haga un buen papel, sinó todo lo contrario. Si consigue transmitirrme toda su, digámoslo suave, poca simpatia, es que lo ha hecho muy bien.

No dejo de recomendar esta película. Todos los que tengan oportunidad de verla, que asistan, aunque como ya he dicho, le falta un ritmo que hace que de vez en cuando te desesperes un poco.

Coeniana. Si tuvieramos que resumir la película en una palabra, creo que no habria mejor palabra que esta para hacer un superesumen. Coeniana es la película que hace unos dias vi en el cine y que me hizo reír muchísimo, a la vez que en algunos momentos, se me puso la carne de gallina cuando vi algunas escenas a las cuales nos tienen acostumbrados direcotres del estilo de los Coen.

A medida que pasaba la película mi mente iba procesando lo que veia. Y yo me preguntaba: ¿Es posible que esté pasando lo que estoy viendo? A medida que avanzaba la película, las cosas pasaban absurdamente, el argumento se volvia absurdo (pero lo habia, cosa que no pasa en otras películas) y los personajes, sacaban a la luz lo mas absurdo que llevaban dentro.

Quiero decir que, los tres actores que intervienen en la película (John Malkovich, George Clonney y Brad Pitt) hacen un papelón. El primero de los tres, todavia interpreta un papel que nos tiene acostumbrados. Muchas veces, lo hemos visto en papeles similares en otras películas. Pero los personajes que interpretan, los afamados, reputadísimos y estupendos Pitt y Clooney, son, simplemente, para verlos.

Uno de los momentos claves de la película, para mi, ha sido la puesta en acción de estos dos últimos. En un principio, la película, cuando todavia no sabes hacia donde tirarán los hermanos Coen, se hace un poco monótona. Pero tan solo son unos minutos. Como he dicho, con la puesta en acción de estos dos actores (Brad Pitt y George Clooney) empiezan las risas que tardarán mucho en parar. Paradójicamente, estos serán los primeros en “darle la vuelta a la tortilla” y serán los mismos que nos harán ver los tintes Coenianos que son capaces de llegar a conseguir estos dos hermanos.